Руски авангард

Андрей Сарабянов за това как е започнало новото руско изкуство на 20 век и хората, които са го направили

В началото на 1910-те художниците, които наричаме авангардисти, се наричат ​​футуристи, учени и супрематици. Терминът „авангард“ е от военната терминология: авангардът е отряд, който върви отпред. Така че, строго погледнато, авангардът присъства в изкуството на всички времена.

За начало на руския авангард се смята 1907 г. - това е датата на формиране на групата „Синя роза“, макар и да не е авангардна: в нея са включени художници символисти - Борисов-Мусатов, Павел Кузнецов и др. Но вече в системата на тяхната работа и идеи имаше началото на авангарда. Краят на авангарда също може да бъде точно определен: 1932 г., когато в СССР всички художествени организации, сдружения и групи бяха ликвидирани или вкарани в Съюза на художниците.

Основното в авангарда е, че той отказа да имитира реалността и започна да създава нова, своя собствена. По този начин, след като открихме много неща, които сега ни се струват естествени: дизайнът на нещата, дрехите, новата архитектура.

Един от корените на авангарда е творчески преработеното западно изкуство. На първо място, италианските футуристи, водени от Филипо Маринети, които се фокусираха главно върху изобразяването на движението. Друг източник е френската живопис, от която имаше много в московските колекции на Щукин и Морозов, с нейното разбиране за тънкостта, любовта към цвета.

Друго е народното изкуство, което авангардни художници ценят за своята спонтанност: те събират картини, продукти, детски рисунки, кукли, опитвайки се да възприемат тази откритост, простота и естественост. Същото е и с градската култура - те използват техники за обозначаване от началото на века, имитирайки простотата на цвета, груби движения на четки, начина, по който знаците привличат вниманието на обществеността.

Един от основните инструменти на авангарда беше манифест, обясняващ позициите на художниците. Втората важна концепция е жест, вид произведение на изкуството, което винаги го придружава. Това, например, ярки дрехи или рисуване на лице; всякакви шокиращи, обиждащи и объркващи публиката, обиждащи филистимския вкус.

Първото общество за съвременно изкуство, регистрирано в Русия - "Съюзът на младежта" - се появява в Санкт Петербург през 1909 г. (първата изложба се провежда през 1910 г.), на фона на господството на академичното изкуство. Самата тя все още имаше силни връзки с естетиката на хората от световна класа, аристокрация, сдържаност и мистерия. Това беше типична тиха, изтънчена северна петербургска култура, ориентирана към европейския вкус. Основателят е художник-любител Николай Кулбин, генерал, служил в Адмиралтейството, сред участниците в него - Михаил Матюшин, Елена Гуро. Финансирано от съюза, публикуването на каталози, организирането на изложби с произход от търговското семейство Левки Жевержеев.

В Москва през 1910 г. се формира свой собствен съюз на ново изкуство - със странна по това време карта, с името на крадците „Джак от диаманти“. Московчани Кончаловски, Машков и Ларионов, които стояха в основата на това общество, оспориха буржоазния вкус. И те бяха пълната противоположност на Младежкия съюз. Художниците на „Jack of Diamonds“ обичаха яснотата без скрито значение, ярки цветове, груба форма, голям размер на картини. Те имитираха народна живопис, включваха народни играчки или бижута в натюрмортите си. Тези две асоциации съществували паралелно.

В началото на „Диамантеният валет“ Михаил Ларионов изигра важна роля, но след първата изложба той се скара с колегите, обвинявайки Машков и Кончаловски в имитация на френска живопис, докато самият той черпеше вдъхновение от народното изкуство. Той сформира собствена група, организира в Москва няколко футуристични и много шокиращи изложби с предизвикателните имена „Магарешка опашка“, „Цел“ или просто „Номер 4“, изричайки нови думи в авангарда.

През 1915 г. Ларионов и Гончарова заминават за Швейцария по покана на Дягилев, за да направят декорации за представленията, а по-нататъшният им живот вече преминава в чужбина, което се превръща в голяма трагедия за тях - това ги откъсва от почвата, от националния елемент, който хранели ги.

Алогизмът беше сцена за авангардни художници, която им позволяваше да правят по-сериозни неща, като проучвания на цветната равнина, линии, отношенията им помежду си, тоест да навлязат в чисто артистичната сфера и да не бъдат зависими от традиционни жанрове.

Успоредно с нелогизма в живописта в поезията се развива такова явление като „заум”. Художниците често са били и поети.

Принципът на абсурдната поезия е да комбинира думите в поетични редове, които са лишени от логика и рима, но не и без ритъм. Този метод позволи на поетите да разкрият самата същност на дума, звук, да се съсредоточат върху образа на буква или дума, точно както не-обективните художници, фокусирани върху цвета и формата. Така и двамата влязоха в дълбоката основа на речта, звука, цвета и образа, преодолявайки академичното замъгляване на очите на художниците.

Изучавали са и звуци: по-специално Кандински е имал цяла теория за съответствието на цвета и звука. Като цяло художниците от това време искаха да създават синтетично изкуство, да комбинират различни изкуства заедно.

Супремус означава превъзходство, така да се каже, върховен стил. Супрематизмът е живописен стил, измислен от Казимир Малевич. За първи път той обяви за него на изложбата на колегата си Иван Пуни. Пуни случайно видя как Малевич рисува „Черен квадрат“ и други супрематични композиции в своята работилница и Малевич нямаше друг избор, освен спешно да го представи на обществото: елементът на съперничество, пионерство е изключително важен за руския авангард.

Всъщност Малевич стана основният на тази изложба: той окачи своя „Квадрат“ в т. Нар. Червен ъгъл - мястото, където обикновено бяха окачени икони в селските къщи - и нарече картината икона на своето време. Естествено, той не е имал предвид обида за традиционната религия; той създаде нов, чиято икона стана „Черният квадрат“. Той описа новия стил по следния начин: „. Считайки, че кубо-футуризмът е изпълнил задачите си, преминавам към нов живописен реализъм, обективно творчество ".

Супрематизмът на Малевич продължава до 1918 г., когато той решава да не рисува повече и се обръща към теорията. Той заминава за Витебск и започва да преподава, организира училище за съвременно изкуство и в същото време изтласква Шагал от Витебски художествени среди. Много добри художници са завършили това училище - Николай Суетин, Иля Чашник, Анна Лепор­Скай, Константин Рождественски.

Още в края на 20-те години Малевич се връща към фигуративната живопис, към народното изкуство и в крайна сметка се опитва да се върне към реализма. Една от последните му творби е автопортрет, представящ го като ренесансов човек.

В европейското изкуство съществува понятието „абстрактно изкуство“. В руския авангард същото нещо обикновено се нарича обективна живопис. Това е много характерна психическа разлика: в първия случай, рационално разбиране на идея, във втория - отсъствието на обект.

В допълнение към супрематизма, в руския авангард имаше и други насоки за търсене на обективност. Например лучизмът, измислен от Михаил Ларионов през 1912 година. Ларионов обясни научно районното с помощта на рентгенови лъчи: от всеки обект излизат определени лъчи, които се възприемат от нашето зрение, тези лъчи изграждат изображение; първо имаше „лъчезарна скумрия“, „лъчезарен петел“, сияещи натюрморти, а след това напълно безсмислен „кафяво-жълт районизъм“ или „розов районизъм“. (Обаче Ларионов от френския период вече не си спомня районизма.)

Друг пример за руска обективност е абстракцията на Кандински. Въпреки че преди него се практикуваше абстракция, тя се превърна в самоцел за Кандински. Той принадлежи към така наречената емоционална абстракция, където в центъра е търсенето на чувства, усещания, емоции. Неговите творби са музикални, макар и беззвучни - той направи много теория за връзката между цвета и звука. Изкуството му е по-ирационално в сравнение, да речем, с изкуството на Малевич.

Друг важен художник - приятелката на Ларионов Наталия Гончарова - от своя страна се приближи до линията на „необективност“ (например в картината „Пустота“ от 1913 г.), но веднага след това тя се завърна в театъра и­vist картини.

Когато революцията се състоя, руските авангардни художници участваха активно в обществения живот и мечтаеха да изградят нова система от отношения между държавата и изкуството, такава, в която изкуството ще играе важна роля. До 20-те години те се борят за тази утопична идея, като активно участват във всички художествени и обществени и политически събития в страната, организират музеи на модерното изкуство, школи за модерна живопис и т.н. Благодарение на образователната дейност на авангардни художници, произведения на изкуството бяха изпратени в градовете на страната, за да могат младите художници да се научат на абстракция от тях, а провинциалните музеи имаха добри примери за авангарда.